Les films d’animation ont toujours été marqués par la stigmatisation d’être faits pour les enfants. Avec des entreprises comme Disney et Warner Bros. produisant des courts métrages et des films d’animation destinés aux enfants depuis un siècle, il est facile de comprendre pourquoi tant de gens pensent que les longs métrages d’animation sont réservés aux enfants. Cependant, certains des films d’animation les plus étonnants et les plus artistiques ont été réalisés exclusivement pour un public adulte. De nombreux films d’animation réalisés au cours des 50 dernières années ne sont certainement pas acceptables pour les enfants. Il existe des films en stop motion qui traitent de thèmes matures que les enfants ne pourraient pas comprendre. Les films qui expérimentent différents styles d’art comme les peintures à l’huile, les aquarelles ou les fusains créent un environnement qui ne pourrait jamais être transmis à un public dans un film d’action réelle. Les adultes possèdent les compétences de pensée critique nécessaires pour interpréter les métaphores et les images qui ne peuvent être utilisées que dans l’animation, et c’est pourquoi les adultes méritent plus de longs métrages d’animation.
Les films d’animation permettent aux téléspectateurs de suspendre l’incrédulité à un niveau plus profond
Chaque film que nous regardons nécessite un certain niveau de suspension de votre incrédulité. Qu’il s’agisse de croire la performance d’un acteur ou de croire que le décor est un lieu réel et non un décor de studio construit, le public doit oublier les faits de ce qui est montré à l’écran afin de croire l’histoire racontée à l’écran. Avec l’avènement de l’infographie, de la cartographie de capture de mouvement ou de la technologie d’écran vert, les films d’action en direct sont bien meilleurs qu’auparavant pour rendre l’incroyable crédible. L’animation, cependant, demande au public de se détacher davantage de son incrédulité afin de bien comprendre l’histoire. Différentes formes d’art ont des objectifs différents en matière de cinéma, mais l’animation peut transmettre des messages en utilisant un langage figuratif beaucoup plus précis que la vie réelle.
Les films d’animation sont probablement mieux connus pour créer du contenu animé destiné aux adultes. Akirapar exemple, dépeint les visions vécues par Tetsuo (Nozomu Sasaki) et la mutation qu’il traverse d’une manière qui rend l’expérience visuelle plus crédible. Il y a aussi de nombreux moments sanglants montrés en détail dans cet anime. Les mêmes expériences seraient plus difficiles à croire dans une version live-action car le CGI utilisé pour créer de tels effets semblerait détaché du reste des images en direct. le tombeau des lucioles est un autre anime qui montre le traumatisme auquel de nombreux enfants sont confrontés dans des pays déchirés par la guerre. Les coups et la famine que Seita (Tsutomu Tatsumi) expériences pour essayer de se garder lui-même et sa sœur beaucoup plus jeune Setsuko (Ayana Shiraishi) vivants sont incroyablement difficiles à regarder. Conduire des enfants traversant cela avec des acteurs de la vie réelle tempérerait l’impact émotionnel, car le public aurait besoin de croire que les vrais enfants ne connaîtraient jamais cette souffrance pour être à l’aise de regarder le film. Un message qui est important pour ce film, cependant, est que les enfants vivent réellement ce traumatisme. La façon dont la vie de ces deux enfants se détériore est beaucoup plus puissante parce que le regard émacié des enfants dans l’animation est plus crédible qu’il ne l’aurait été en utilisant du maquillage et des effets spéciaux pour essayer de faire ressembler les enfants acteurs de cette façon.
L’animation en stop-motion a également été utilisée dans des films destinés aux adultes. Ceux-ci peuvent sembler plus réalistes parce que les objets sur le film existent en trois dimensions au lieu de deux, mais la manière abstraite dont ils décrivent leurs personnages et leurs décors nécessite toujours une suspension de l’incrédulité au-delà de ce qui est requis dans les films d’action réelle. L’île aux chiens est un excellent exemple de film qui a quelque chose à offrir au jeune public, mais la majeure partie du sens de l’histoire est destinée aux adultes. Les enfants peuvent suivre l’histoire d’Atari (Koyu Rankin) dans sa quête pour retrouver son vieux chien Spots (Liev Schreiber), mais la métaphore des chiens représentant des communautés marginalisées chassés de la société pour des raisons indépendantes de leur volonté est un thème de l’histoire que seuls les membres adultes du public comprendront. Ma vie de courgette est un film d’argile qui peut sembler être destiné aux enfants, mais uniquement parce qu’il est centré sur les enfants d’un orphelinat. Chacun des enfants est là parce que leur famille les a gravement négligés en raison de la toxicomanie, de la violence physique, de la déportation ou parce qu’ils sont décédés. Le style rappelle la claymation utilisée dans certains Tim Burton films, rendant les personnages plus abstraits et donnant à tout un ton plus sombre alors que les enfants luttent pour accepter leur passé et imaginer un avenir avec une nouvelle famille. Les messages sur la violence parentale et les familles retrouvées sont un peu trop profonds pour que les enfants puissent les saisir à moins qu’ils n’aient vécu un traumatisme similaire aux personnages de l’orphelinat.
Il est malade Est un brillant exemple d’utilisation du stop-motion pour raconter une histoire mature. Outre la quantité de bombes F qu’ils utilisent et la nudité masculine et féminine frontale, les métaphores que le cinéaste utilise pour transmettre les thèmes de la solitude et de la dépression auraient semblé maladroites et maladroites dans une version en direct de cette histoire. Michel Stone (David Thewlis) entend tous ceux qui lui parlent avec la même voix masculine (Tom Nounan), montrant au public comment Michael voit tout le monde dans sa vie comme des individus ennuyeux sans rien de spécial pour les différencier. Entendre la même voix provenir de chaque personnage masculin et féminin est difficile à remarquer dans cette animation en stop-motion car chaque personnage est censé avoir un acteur de voix off, et Noonan différencie suffisamment sa voix pour chaque personnage pour vous faire vous demander si tous les les personnages sonnent vraiment de la même façon. Si vous essayiez de monter la voix du même acteur masculin sur chacun des acteurs d’un film d’action réelle, il serait si visible que les acteurs à l’écran n’utilisaient pas leur propre voix qu’il serait difficile pour le public de la voir comme une métaphore de la façon dont Michael se sent détaché et seul.
Différents supports suscitent différentes émotions
Dans tout type d’animation, le type de support utilisé par les artistes créant les visuels fait une différence incroyable. Dans Aimer Vincent, par exemple, chaque image du film est une peinture à l’huile ressemblant au même style que Van Gogh lui-même a utilisé en hommage à l’artiste. L’histoire suit le fils d’un facteur essayant de livrer la dernière lettre de Van Gogh à son frère et aux personnes qu’il rencontre en cours de route qui connaissaient le mieux Van Gogh, et l’utilisation du style particulier de peinture à l’huile de Van Gogh pour animer ce film aide le public à se connecter avec l’artiste à un niveau plus profond que si cette histoire était racontée par des acteurs à l’écran. Le réalisateur a utilisé une combinaison entre l’animation bidimensionnelle et le stop-motion utilisé pour capturer la texture et la lumière de chaque peinture à l’huile. Un autre film qui a délibérément utilisé différents médiums est Le garçon et le monde. Directeur Ale Abreu a fabriqué lui-même de nombreux cadres en utilisant des crayons, des peintures et des textures en différentes couches qu’ils ont numérisées dans des ordinateurs. Parce que le film est centré sur le garçon, l’œuvre d’art transmet la liberté d’expression dans les dessins d’un enfant. Les thèmes de la pollution industrielle et de la marchandisation humaine, cependant, ne sont guère pour les enfants.
La rotoscopie est un style d’animation qui utilise des séquences réelles que les animateurs utilisent pour dessiner chaque image. Un scanner sombre est une histoire futuriste sur Robert Arctor (Keanu Reeves) qui tombe dans l’addiction. Les rêves et les hallucinations qu’il vit sont un mélange entre la vision des artistes et la performance capturée sur film, les rendant d’autant plus vivants et crédibles qu’ils ne le seraient si le vrai Keanu avait des effets CGI autour de lui. Un autre long métrage incroyable qui utilise la rotoscopie est Vie éveilléel’histoire d’un homme (Wiley Wiggins) perpétuellement coincé à rêver. L’une des caractéristiques les plus uniques de ce film est que différentes parties de tous les rêves sont animées par différents artistes dans des styles complètement uniques. Certaines scènes sont très abstraites et fluides dans leur mouvement, tandis que d’autres sont hyper réalistes. Chaque rêve consiste en une question existentielle sur l’existence en cours de discussion, et chaque personnage qu’il visite dans ces rêves a une perspective différente qu’ils essaient de partager avec le personnage principal que les artistes ont utilisé pour informer les tons et les couleurs qu’ils utiliseraient pour représenter le scène. L’incohérence entre les styles d’art utilisés aide le public à comprendre chaque fois qu’il entre dans une nouvelle expérience de rêve et crée une nouvelle atmosphère émotionnelle d’une scène à l’autre qui n’aurait pas de sens sur un plateau avec éclairage. Les décors, les objets et les personnages eux-mêmes sont en mouvement constant et semblent détachés les uns des autres, ce qui amène le public à s’interroger sur ce qui est réel dès le début. Beaucoup de ces effets sont incroyablement difficiles, voire impossibles, à recréer dans un film d’action réelle.
L’animation est pour tout le monde, pas seulement pour les enfants
Toutes les histoires de ces films ont été racontées en utilisant l’animation au lieu de l’action réelle, car c’était le meilleur moyen d’exprimer les thèmes et les tons les plus significatifs pour le réalisateur. Les outils de narration disponibles dans l’animation fournissent des moyens de transmettre des messages au public que la narration en direct ne peut tout simplement pas accomplir aussi efficacement, et c’est une forme d’art qui doit être prise beaucoup plus au sérieux qu’elle ne l’est. Avec l’industrie cinématographique saturée de films à succès remplis de CGI qui attirent un public plus jeune, les adultes méritent plus de films d’animation. L’animation défie la capacité du spectateur à suspendre son incrédulité et à interpréter les messages figuratifs à un niveau plus profond. Les visuels fournis par l’animation connectent également le public aux personnages et aux décors de manière plus abstraite et contemplative. Le processus de pensée qu’un public utilise pour interpréter le sens profond de l’histoire à travers l’animation a un impact émotionnel plus profond que les processus de pensée plus simples utilisés dans une histoire en direct. Les films d’animation ont un impact sur le public d’une myriade de façons que les films d’action en direct ne peuvent pas, et le public adulte devrait avoir plus de fonctionnalités animées avec des histoires matures avec lesquelles ils peuvent se connecter.
Caractéristiques du film
